『小さい頃は、神様がいて』原作とドラマの違いを徹底比較！脚本家が描いた新たな結末とは？

2025年秋ドラマ『小さい頃は、神様がいて』は、脚本・岡田惠和によるオリジナル作品として放送されていますが、
「原作はあるの？」「漫画や小説と違いはあるの？」という疑問がネット上でも話題に。
結論から言うと、本作は完全オリジナル脚本であり、既存の原作小説や漫画をもとにした作品ではありません。
しかし、視聴者が“原作の物語”を期待したくなるほど、ドラマには普遍的なテーマと文学性が詰まっています。

本記事では、原作的な要素とドラマ独自の設定・ストーリー、
そして脚本家・岡田惠和が生み出した“新たな結末”の魅力を徹底比較しながら分析していきます。

まず結論：『小さい頃は、神様がいて』に原作はない

『小さい頃は、神様がいて』は、多くの視聴者から「原作小説があるの？」「実話をもとにしているの？」と問われるほど、
現実味と文学性を併せ持つ物語ですが、原作は存在しません。
本作は、脚本家・岡田惠和氏による完全オリジナル脚本として制作されています。

岡田氏といえば、『ちゅらさん』『ひよっこ』『ビーチボーイズ』など、
人の心に静かに寄り添う脚本で知られる作家。
本作でもその筆致は健在で、“日常の中にある祈り”というテーマが物語全体に流れています。

では、なぜ「原作がある」と思われるのでしょうか？
それは、本作が文学作品のような語り口と、登場人物たちの言葉の深さを持っているからです。
一言一言に“詩的な間”があり、まるで小説を読んでいるかのような感覚になるため、
視聴者が「原作がある」と感じてしまうのです。

ドラマは完全オリジナル脚本作品

公式情報でも明記されている通り、本作には原作もコミカライズも存在しません。
つまり、物語の一つひとつの出来事、セリフ、構成はすべて脚本家の創作によるものです。
そのため、原作付きドラマにありがちな制約がなく、
「描きたい物語を自由に描ける」という強みが発揮されています。

特に第1話の冒頭、「神様って、どこにいるの？」というモノローグは、
このドラマのすべてを象徴する導入。
ここから続く全10話が、“一つの長編小説”のような構成になっているのです。

原作とされやすい“元ネタ”との混同理由

一部の視聴者の間では、タイトルがユーミン（松任谷由実）の楽曲
『やさしさに包まれたなら』に登場するフレーズ
「小さい頃は、神様がいて」に由来するため、
「曲を原作にしたドラマなのでは？」という誤解が生まれました。

しかし実際には、この楽曲が“インスピレーションの源”であり、
物語の直接的な原作ではありません。
岡田惠和氏はこのフレーズに感銘を受け、
「もし“神様”が人の心の中にいるとしたら、どんな物語が生まれるか」
という発想から脚本を描き始めたといわれています。

つまり、原作のように感じられるほど完成度が高いのは、
脚本家の筆致によって“原作的な深み”が生まれているからなのです。

ドラマ独自の物語構造とテーマ

『小さい頃は、神様がいて』が視聴者の心に強く響くのは、
その物語構造が非常に独創的で、「原作のないドラマ」だからこそ生まれた自由な構成にあります。
日常の中に潜む“祈り”や“赦し”を、登場人物たちの静かな言葉と行動で丁寧に描き出しています。

“神様”という存在の象徴的な意味

タイトルにもある“神様”は、この作品の最大のキーワードです。
しかし、ドラマの中で“神様”は姿を持たず、誰かが直接的に語ることもほとんどありません。
それでも全話を通じて、視聴者は「確かに何かが見守っている」と感じるのです。

それは、岡田惠和氏が一貫して描いてきた“人の中にある優しさ”というテーマの延長線上にあります。
「神様」とは超自然的な存在ではなく、
人が人を思う心、誰かを支える気持ち、そして小さな勇気――
つまり、“見えないけれど確かにある愛”の象徴なのです。

ゆずが幼いころに書いた手紙や、あんの言葉、渉の沈黙。
どれもが“神様”の声のように響く構成になっており、
この象徴の使い方が本作を文学的にしています。

三世代が共に暮らすレトロマンションという舞台設定

舞台となるのは、レトロな共同住宅「たそがれステイツ」。
ここに住む人々は、家族ではないけれど、まるで“もうひとつの家族”のように互いを支え合っています。
この設定こそ、“現代における神様のかたち”を象徴する重要な舞台です。

脚本は、ひとつの空間に複数の価値観を同居させることで、
「血のつながりではなく、心のつながりで支え合う社会」を描いています。
それは岡田作品に通じる温もりでありながら、
どこか現代的なリアリティを持っているのが特徴です。

たそがれステイツの住人たちは皆、何かしら“欠けたもの”を抱えています。
しかし、その欠けを補い合う日常が、
まるで神様の存在そのもののように静かに輝いて見えるのです。

登場人物の描き方が示す“脚本家の視点”

『小さい頃は、神様がいて』の魅力の一つは、登場人物の言葉や沈黙の一つひとつに“祈りのようなリアリティ”があることです。
脚本家・岡田惠和氏は、キャラクターを「出来事を語る存在」ではなく、
“人生を背負って生きる人間”として描いています。

小倉夫婦の関係と“離婚の約束”という仕掛け

主人公のあん（仲間由紀恵）と渉（北村有起哉）は、
娘・ゆず（近藤華）が生まれた日に「20歳になったら離婚しよう」と約束を交わします。
この“離婚の約束”という設定は、
一般的なホームドラマにはない非常に繊細なテーマです。

二人の関係は冷え切っているわけではなく、
むしろ互いを大切に思っているのに一緒にはいられないという“静かな葛藤”が描かれています。
それはまるで、“神様の沈黙”のように痛くも美しい。
岡田氏はこの関係性を通して、「愛しているのに別れる」という人間の複雑さを見事に表現しています。

ゆずが成長していく姿を見届けながら、
二人が徐々に自分の過去と向き合っていく過程こそ、
この物語の中心にある“再生”の軌跡なのです。

隣人たちとの交流が意味するもの

たそがれステイツの住人たちは、
物語を単に賑やかにする存在ではありません。
彼らはそれぞれが“もう一つの神様の姿”として機能しています。

シングルマザーの女性が「子どもが笑ってくれるだけで、生きてていい気がする」と語るシーン。
高齢の住人が「誰かのことを心配できるうちは、まだ神様に見放されてない」と微笑む場面。
これらの言葉はすべて、“人の中にある優しさ”の証なのです。

こうした日常会話が積み重なることで、
ドラマ全体が一つの“祈りの共同体”として描かれています。
登場人物の一人ひとりが、誰かの痛みを少しずつ癒していく。
その姿が、“神様の不在を埋める物語”へと昇華していくのです。

結末の違いが示す“岡田惠和のメッセージ”

原作が存在しない『小さい頃は、神様がいて』では、
物語の結末も脚本家の想いそのものとして描かれています。
そのため、一般的な原作ドラマにありがちな“原作に忠実な最終回”ではなく、
観る者の心に余白を残すエンディングとなっているのが特徴です。

一般的なドラマ原作との“ハッピーエンド像”の差

多くの原作付きドラマでは、視聴者の期待に応える形で
明確な“ハッピーエンド”や“成長の完結”が描かれます。
しかし、『小さい頃は、神様がいて』の結末は、そうした構成とは一線を画しています。

最終話では、渉とあんが正式に離婚を迎え、
物語としては“家族が離れる”という結果になります。
けれど、その中に描かれるのは悲しみではなく、
“赦しと再生の穏やかな始まり”。
それぞれが新しい人生を歩む姿が静かに描かれることで、
終わりの中に確かな希望が灯されているのです。

この構成こそ、脚本家・岡田惠和氏の持ち味。
人の心を救う物語を、派手な演出ではなく“静かな優しさ”で描く手法が、
視聴者の共感を呼び起こしました。

ドラマが描く“赦しと再生”の結末

最終回では、ゆずが20歳の誕生日を迎える日に、
両親がそれぞれの人生を歩き出すという場面が印象的に描かれます。
ゆずが語るナレーション──
「神様は、ちゃんと見ていてくれた気がする」──
この一言が、全話を通じたテーマの答えになっているのです。

それは、“神様”が空の上にいるのではなく、
人の中に宿っていたという気づき。
そして、離れても思い合う心こそが、
神様からの“最後の贈り物”であるというメッセージでした。

このように、ドラマ版は「別れ＝悲劇」ではなく、
“生きることそのものが赦しである”という視点を提示しています。
それは、原作のないオリジナル作品だからこそ描けた、
脚本家・岡田惠和氏の“祈りの結末”と言えるでしょう。

まとめ｜原作なしだからこそ自由に描けた物語

『小さい頃は、神様がいて』は、原作がないからこそ生まれた“奇跡のような物語”です。
決められた筋書きや展開に縛られず、脚本家・岡田惠和氏が描きたかったのは、
人が“誰かを思うこと”そのものの尊さでした。

ドラマの中では、神様という存在が象徴的に描かれますが、
それは宗教的な意味ではなく、
人の中にある優しさや赦しの力を示すメタファーです。
誰かを支え、誰かを見守る気持ち――
その積み重ねこそが、この作品の“信仰”なのです。

また、原作がないことによって、登場人物たちは決められた終着点ではなく、
“生き続ける現在進行形の存在”として描かれました。
そのため、最終話が終わっても、彼らの人生はどこかで続いているように感じられます。
この“余白のある終わり方”こそ、オリジナル脚本ならではの魅力です。

そして最後に、脚本家・岡田惠和氏が本作で伝えたかったのは、
「神様は、遠くにいるのではなく、私たちの中にいる」ということ。
その気づきが、別れを希望に変え、悲しみをやさしさに変えていきます。
まさに、本作全体が“祈りとしてのドラマ”なのです。

原作という枠を超え、人の心の中にだけ存在する“物語の神様”。
そのやさしさに包まれた世界が、
このドラマを2025年を代表する感動作に押し上げたのかもしれません。